A-level艺术作品集：如何在创作中“发展”你的想法？

A-level艺术设计要求学生提交一份显示“发展性”的作品集，许多学生会对“发展”一词感到困惑。“发展”指的是一个A-level艺术作品集必须讲述一个视觉故事：有起点、结论和过程。有些情况是不被接受的，例如反复展示从不同角度绘制的相同的东西；或者先用蜡笔，然后用颜料，再用炭笔等等来完成相同的构图；或者提交许多不同的作品，但这些作品彼此之间没有视觉或主题上的联系。“发展”意味着系统性的提升艺术作品：试验、改进和探索组成设备和技术，向考官展示你经历了一个学习的过程，并且成功地完成了作品。

下面是一名A-level绘画学生在一年时间里开展作品创作的过程（这个过程也可以改为平面设计、摄影或雕塑），艺术生们可以用作参考：

1.选择主题

选择一个原创的、个人相关的、视觉上复杂的A-level主题，并对这个主题保持一年的兴趣。

2.探索主题

围绕所选主题，在速写本（Sketchbook）中完成4-10张图纸，使用一系列的黑、白和彩色介质，如石墨铅笔、丙烯酸、彩色铅笔、水彩、油。在这些图纸中呈现的现实主义水平取决于个人的绘画风格和偏好。

图纸可能是不完整的，可以相互融合在一起。在这一点上，不用太担心，你只是在进行视觉研究和主题探索。

3.做注释

用讨论主题/问题/信息的笔记来填补图纸周围的空白。

为什么这个主题与你个人有关；主题在视觉上吸引你的是什么；为了支持或传达观点，主题内容是如何组织的。

仔细查看所画的内容，并记录视觉元素(线条、色调、纹理、空间、颜色等)是如何相互影响的。例如，在高度精细的区域和稀疏的区域之间是否存在强烈的对比？某些形状和颜色是否重复？本质上，这一步就是解释你在视觉上处理的东西。

4.研究艺术家

选择一个与主题有关，并启发你的艺术家模型。

研究这个艺术家，在艺术速写本上完成几页内容，包括该艺术家的创作研究，并使用一系列媒介模仿艺术家的作品。用注释填充插图周围的空间，解释/讨论他们的技术；媒介/材料的使用；风格；作品（例如视觉元素之间的关系：线条、形状、色彩、色调、纹理和空间。）

写下画中的想法、情绪和主题，并将其与你的主题进行联系。评论需要显示你对这个艺术家做了研究，并且有自己的观点和回应。

5.展示作品的过渡和变化

完成10-15篇幅素描和图画，展示出从原始作品到受艺术家影响的作品的一个平稳过渡。

不要模仿艺术家所做的一切。例如，你可以简单地复制某个艺术家使用前景、中景和背景的方式。这种练习的目的是学习特定的技巧或构图策略，而不是完整地复制他们的作品。

你的画应该显示渐进的变化和探索，每一次完成后都应该和老师讨论下一步可以做什么来更成功地表达自己的想法。

6.学习其他艺术家

从一名艺术家那里学到了所有需要的东西后，选择另一名艺术家，并重复这个过程。

这样做的目的是，当完成最终作品时，你的作品会是自己的想法和其他几个人的影响的完美结合。（你的最终作品必须是原创）

选择真正打动自己的艺术家往往会带来的结果。通常，AS学生有2-4个艺术家模型，A2学生有3-10个艺术家模型。

以上这些艺术作品集的创作小技巧，艺术生们可要马住了！

A-level艺术如此重要，却又具有一定难度，寻找合适的老师指导自己十分必要。而的A-level艺术老师在国内属于稀缺资源，国际学校有些不开设这一科目，或者有艺术老师但老师并没有很好的资质。